Современная роспись по дереву

Мы рассказали о разнообразных традициях народной росписи по дереву, познакомили читателя с главными центрами и видами росписи: Русским Севером, промыслами Поволжья, урало-сибирской и алтайской росписью.

Теперь нам известно, что традиционная крестьянская роспись была неотделима от народного и более всего крестьянского быта: украшала деревенский дом, самодельную мебель, утварь, орудия крестьянского труда. Памятники народной росписи свидетельствуют о том, что она сопутствовала быту крестьян, повседневному труду и праздникам в течение веков, начиная с глубокой древности. Наиболее обширны знания ученых о народной росписи XIX и XX вв., широко распространенной в это время на европейской и азиатской территории России. Она предстает перед нами в огромном богатстве приемов, композиций, запечатленных образов, в которых отражены многообразные связи человека с миром окружающей природы, любование ею, мечты о прекрасной жизни, о светлом, о добре. Эти человеческие чувства и представления вне времени, они всегда живут с человеком, раскрывая самые отрадные стороны человеческого бытия. Именно поэтому идеалы добра и красоты, раскрывавшиеся мастерами народной росписи, не могут остаться в прошлом, уйти из жизни современных людей, хотя условия жизни наших соотечественников значительно изменились.

Развитие традиционной народной росписи в современном быту несомненно предопределено общностью идейных представлений народных мастеров прошлого и на стоящего: это исконная и сохраняющаяся до сих пор любовь жителей России к изделиям из дерева, ярким цветам в росписи, традиционным формам посуды и другой утвари. Народная роспись и сегодня привлекает не только собирателей и любителей народного искусства, но и художников-профессионалов, видящих в ней огромные художественные богатства. Все это делает; роспись по дереву одним из активно развивающихся видов народного искусства.

Сохранив связь с современной жизнью и многие традиционные черты, произведения этого искусства не мог ли не изменить своих бытовых функций.

Повсеместно в нашей стране ведется большое жилищное строительство, условия сельского быта приближаются к городским, поэтому многие предметы крестьянского обихода уходят из повседневного быта, заменяются более современными промышленными изделиями. Например, самодельную мебель или токарную посуду сменили мебель промышленного производства, стеклянная, фаянсовая и фарфоровая посуда.

Но это вовсе не означает, что расписные деревянные вещи совсем исчезли из обихода наших современников. Более того, рамки их распространения расширились, они вошли не только в современный сельский, но и в городской быт. И сельский и городской житель сегодня, если не пользуется каждодневно, то охотно украшает свой дом произведениями мастеров народной росписи.

Так, в детской комнате рядом с современными механическими и традиционными деревянными игрушками находит себе место городецкая и хохломская расписная мебель. Любой городской дом, летнюю дачу, сельское жилище украсят деревянные расписные изделия: декоративные панно и тарелки, наборы поставцов для круп и других сыпучих продуктов, большие узорные хлебницы-контейнеры, шкафчики и вешалки для полотенец, солонки и многое другое.

Огромной популярностью пользуются сегодня, как и в старину, произведения хохломских мастеров росписи. Эти изделия - прекрасный подарок из России, памятный сувенир, нарядная праздничная вещь в доме. Не случайно хохломские блюда и тарелки, чашки и кувшины занимают почетное место на праздничном столе, ведь они сами приносят в дом ощущение праздника, торжества, как бы олицетворяют собой традиционное русское гостеприимство.

Роспись живет не только в жилом, но и в общественном интерьере. В городах, в центрах производства расписных изделий произведения этого традиционного искусства украшают общественные здания, Дома культуры, детские сады, Дома пионеров, кафе и рестораны.

Сохраняя свое основное функциональное назначение - быть нужными в быту вещами - произведения мастеров росписи приобретают сегодня большое декоративное звучание. Отсюда значимость для нас их собственно художественных свойств, красоты формы, отточенности приемов росписи, декоративной отделки. Поэтому так важно профессиональное мастерство людей, работающих над созданием этих предметов, усвоение мастерами традиционных приемов росписи и тех навыков, которые накоплены в практической работе советскими мастерами народных художественных промыслов.

Накопленный художественный опыт очень велик, и на его постижение, на освоение мастерства уходит не один год. Именно с познания основ мастерства начинается первый этап деятельности учеников на промыслах.

Чтобы овладеть росписью, надо хорошо знать технические и художественные свойства дерева, технологию красок и лаковых покрытий, уметь владеть всем разнообразием кистей от самых широких до очень тонких, дающих каллиграфически четкий мазок или штрих. Не менее важно научиться пользоваться кистями, правильно держать кисть в руке, что совсем не просто. Дело в том, что приемы свободного кистевого письма требуют особого положения руки мастера, совершенно отличного от манеры работы кистью, сложившейся в профессиональной живописи. Если молодой мастер приступит к выполнению работы в технике свободной кистевой росписи, не владея этими навыками, то хорошего результата не получится. Чтобы работать творчески, создавать сложные сюжетные композиции, необходимо уметь рисовать. Все эти знания, получаемые обычно в художественной школе или специальном ПТУ, - лишь начало творческой работы художника.

Среди прославленных художественных промыслов, занимающихся обработкой дерева, самый знаменитый - хохломской. Мы уже говорили о дореволюционной истории этого самобытного промысла, об особых условиях его возникновения и развития.

В первые десятилетия XX в. промысел переживал трудные времена. Экономические трудности наступали на хохломских мастеров: расписная деревянная посуда, производимая вручную, не могла конкурировать с посудой промышленного производства. Стремясь поспеть за машиной, мастера должны были убыстрять процесс изготовления токарного полуфабриката, упрощать роспись, от чего снижалось качество изделий. В конце XIX начале XX вв. стала дорожать и древесина, уменьшился спрос на деревянную посуду в сельской среде. Все это приводило к сокращению производства хохломских изделий, забвению своеобразных традиционных приемов письма. Промысел угасал на глазах, и это не могло оставить равнодушными представителей русской художественной общественности, связанной в то время с органами местного самоуправления - земствами. Ими были предприняты некоторые экономические и организационные меры по спасению промыслов. Например, было организовано товарищество по сбыту изделий Хохломы, освобождавшее мастеров от кабалы скупщиков; на промысел приезжали инструкторы-художники, которые ориентировали мастеров на вкусы городского потребителя рубежа XIX и ХХ вв. проводились занятия с кустарями. Была предпринята попытка создать новый для Хохломы столярный ассортимент - громоздкие расписные мебельные гарнитуры в русском стиле, но она была не очень удачной. Промысел приходил в упадок.

Новый период в развитии хохломского искусства наступил после Великой Октябрьской социалистической революции, когда к нему было привлечено внимание государственных органов и Художественной общественности.

Советским правительство были изданы декреты о мерах, способствующих развитию промыслов, об экономической помощи кустарям. Старинный центр хохломской росписи - Ковернинский район Горьковской области - посетили крупнейшие специалисты народного искусства: А. В. Бакушинский и В. М. Василенко. А. В. Бакушинский был видным ученым-искусствоведом, много сделавшим в области изучения русский живописи, графики, в музейном строительстве. Одной важнейших областей его деятельности было изучение народного творчества - росписи и резьбы по дереву, русских лаков. Он изучил хохломской стиль и пришел к выводу о необходимости отказа от псевдорусского стиля, продолжавшего существовать еще в первые годы после революции, и возврата к ряду Шейных крестьянских традиций в росписи. В 30-е годы в Хохломе не только полностью возродились старые народные орнаменты, Но и на их основе были созданы новые, а также введены новые расцветки, формы вещей^*. А. В. Бакушинский был ярым противником того сухого, подражавшего узору древнерусских книг графического орнамента, который распространился в Хохломе на рубеже ХIX и XX вв. и принимался деятелями кустарной Промышленности и тогдашними любителями народного искусства как истинно Хохломской.

^* (Василенко В. М. Избранные труды о народном творчестве Х-ХХ веков. М., 1964, с. 135.)

Будучи в Хохломе, А. В. Бакушинский много общался со старыми хохломскими мастерами, слушал и записывал их рассказы о промысле рассматривал старинные хохломские изделия, украшенные легким травным узором, так не похожим на сухую графическую "плетенку", распространившуюся одно время. Особенно интересным оказалось общение А. В. Бакушинского со старейшим хохломским мастером Ф. Ф. Красильниковым. Рассказывая о традициях промысла, мастер показывал ученому огромное количество разнообразных рисунков, принадлежащих нескольким поколениям семьи потомственных хохломских мастеров Красильниковых.

"Рисунков было, - вспоминает один из младших членов династии А. В. Красильников, - очень много, несколько сотен. По своим размерам рисунки были разные - большие, средние и совсем маленькие. Квадратные - для личин столов, овальной формы - для овальных столов, небольшие квадратные - для шахматных, шестигранные - для табуретов, круглые побольше - для круглых табуретов, круглые поменьше - для блюд и чашек"^*.

^* (Красильников А. В. Золотая Хохлома. Горький, 1979, с. 89.)

А. В. Бакушинского поразило разнообразие композиций, характер рисунков. Особенно обрадовало его то, что рядом с надоевшей "плетенкой" увидел он в сундуке Красильниковых большое число листов с совершенно иной росписью. Местные мастера называли ее "простой росписью", так как изображали на ней только травку да осочку, но из этих простых элементов, написанных чуткой, умелой кистью, каждый из хохломских мастеров творил свои особые узоры. Нельзя не привести здесь прекрасные слова А. В. Красильникова из его книги о работе хохломского мастера над травным орнаментом: "Когда вы посмотрите на руки мастера-художника, то уже не сможете от них оторваться. Под мягкими грациозными движениями пальцев, вооруженных нетолстой кисточкой (для каждого цвета своя), перед вами, как при замедленной съемке в кино, рождается в плавном ритме рисунок орнамента, сначала его основа, а потом на ваших глазах эта основа начинает наполняться подробностями, расцветает, оживает. Наблюдая за работой мастера, вы чувствуете необыкновенную уверенность в каждом, иногда почти незаметном движении его руки, видите, что перед вами раскрывается таинство искусства. В особенности поражает безошибочность и четкость всех движений, когда пишется так называемая травка - рисунок из легких, слегка изогнутых травинок. Эти травинки объединяются в кустики, из травинок составляется целый ряд постепенно уменьшающихся и изгибающихся кустиков, расположенных вокруг воображаемого стебля. Травка возникает под кистью мастера как будто непроизвольно и так красиво и плавно, что взгляд ловит уже законченную композицию. В Хохломе существует много орнаментов, созданных на основе травных мотивов"^*.

^* (Красильников А. В. Золотая Хохлома. Горький, 1979, с. 46.)

Художественный и производственный опыт старых хохломских мастеров, помощь Советского государства, оказанная промыслам, сыграли решающую роль в становлении советской Хохломы. Мастера, верившие в необходимость своего искусства, хранившие его традиции, с радостью встретили революцию и те преобразования, которые она принесла в ковернинские села. По-новому административному делению Ковернинский район - давний традиционный центр Хохломы - перешел из Костромской в Нижегородскую губернию и на долгие годы вошел в число разнообразных традиционных промыслов Горьковской области.

Старые и молодые мастера активно взялись за организацию нового хохломского промысла; в этих местах начал осуществляться ленинский кооперативный план. Центрами нового хохломского промысла стали село Семино с окрестными деревнями и небольшой городок Семенов, куда в первые годы после революции переехали из Ковернинского района некоторые хохломские мастера.

Семеновский центр хохломской росписи берет свое начало с 1918 г. - момента создания школы художественной обработки дерева. Школа была основана нижегородским художником Г. П. Матвеевым и мастерами И. Д. Смирновым, С. С. Юзиковым, П. Ф. Распопиным и стала ведущим центром подготовки хохломских мастеров для промысла. Первые выпускники школы стали основой творческого коллектива первой семеновской артели мастеров "Кустарь-художник". В артель вошли не только семеновские мастера, но и мастера из окрестных деревень. Промысел постепенно окреп, стала более значительной по объемам и разнообразной его продукция, постепенно выработался свой стиль письма. Организационно росло и само предприятие. Сегодня это уже большое художественное объединение "Хохломская роспись", где производством художественных изделий занимаются около тысячи человек.

Однако это не значит, что рядом с известным городским промыслом, развивающим традиции Хохломы, предана забвению исконная родина промысла - деревни и села Ковернинского района; там по-прежнему работает множество прекрасных токарей и художников. В отличие от семеновской эту Хохлому называют сегодня деревенской, или семинской Хохломой, по названию села Семина, где расположена в наши дни фабрика художественных изделий "Хохломской художник". Фабрика окружена многочисленными селами, где есть ее филиалы. Каждое из этих сел - родовое гнездо одной или нескольких хохломских династий, внесших свой заметный вклад в историю промысла. Так, в селе Глибино живут мастера Гущины, в Дурандине - Масловы; село Хрящи знаменито именами Железовых и Подоговых, Макушино - Красильниковых, здесь же живет мастер совершенно своеобразного, но тоже хохломского стиля С. П. Веселов. Село Новопокровское - это филиал фабрики, его бессменные работники: Веселовы и Тюкаловы, Носковы и Бедины. В недалеком Виноградове, до революции именовавшимся Малыми Безделями, каждый покажет вам дом замечательного мастера, заслуженного художника РСФСР, лауреата премии имени И. Е. Репина О. П. "Путиной. В наши дни О. П. Лушина - главный художник семинской фабрики. Два современных центра хохломской росписи очень отличаются друг от друга по производственной организации, условиям труда и быта мастеров. Если в Семенове мастера связаны с жизнью небольшого города центральной России, с городским укладом быта, работой в больших фабричных цехах, городскими вкусами окружающих, то ковернинские производства - это небольшие цехи и участки, расположенные в нескольких деревянных зданиях, как бы слитых с окружающей природой, лугами и лесами, ручьями и речками, цветами и травами. Недаром семинские мастера говорят, что уже дорога на работу, ежедневный утренний путь от своего сельского дома до фабрики - это неотторжимая часть их творчества. Ведь именно по пути на работу, на лесной тропинке или среди луговых трав на берегу речки или на зеленом солнечном взгорке рождаются образы их искусства - травные или цветочные узоры, мягкие, округлые формы изделий. Творческое настроение, возникающее в утреннем общении с природой, не рассеивается у мастеров и на работе. Да и цехи этих предприятий вряд ли отвечают распространенным представлениям о цехах промышленного предприятия. Скорее это своеобразные художественные мастерские, светлые, с большими окнами, будто распахнутыми в мир природы. На столах нередки букеты полевых цветов, запах красок смешивается с запахами леса и поля, на золоченой поверхности изделий играет солнце. Солнечные блики рассыпаны по низким рабочим столам мастеров, по полкам с расписными чашами, блюдам, поставцам, выставленным для просушки. В любую погоду солнечным выглядит и токарный цех, где работают знаменитые семинские токари, равных которым по мастерству точения, ощущению скульптурной выразительности токарной формы, найти весьма трудно. Их сложная, требующая большого умения и тонких навыков работа кажется на первый взгляд забавой: так легко, играючи обращаются мастера с кусками дерева, из которых под их умелыми руками в пене стружек рождаются гармоничные формы хохломских ваз и чаш, блюд и шкатулок.

Хохломское изделие начинается с работы над формой, ее красотой и удобством, выразительностью объемов и пропорциональных членений. Так было раньше, в начале промысла, так остается и сейчас. А вот отношения между мастерами токарной работы и расписчиками не всегда были одинаковыми. В традиционном промысле токари и мастера росписи были оторваны друг от друга. Ведь промысел представлял собой ряд мелких токарен и красильных заведений, не связанных между собой в процессе изготовления изделий и тщательно скрывавших друг от друга свои производственные секреты. Практически они встречались только на рынке - на хохломской ярмарке, где мастера росписи покупали у токарей готовое "белье" - белую точеную посуду. И если сегодня нас поражает в старых хохломских изделиях единство формы и росписи, то это объясняется более всего общностью вкусов крестьянских мастеров XIX в.: мастерством токарей, художественным тактом и большим опытом мастеров росписи, способных украсить узором любую, самую сложную по конфигурации поверхность.

Сегодня токари и художники по росписи работают вместе, в едином производственном и творческом ритме. Поэтому нам кажется, что форма и орнамент хохломских изделий не разделены, созданы одним большим художником. Задумывая свою орнаментальную композицию, мастер идет именно от формы вещи, старается как можно ярче раскрыть пластические достоинства этой формы. Нередко мастера росписи предлагают токарям свои идеи относительно формы изделий. Задумав новую вещь или целый набор декоративных предметов, художник несет токарю эскиз и "доводит" будущее изделие вместе с токарем. Такое творческое сотрудничество дает хорошие результаты. На последних выставках были показаны произведения, радующие глаз продуманным сочетанием формы и расписного декора, соразмерностью пропорции, большим умением соединять отдельные предметы в целостные, порой достаточно большие и разнообразные по форме ансамбли.

Совместная слаженная работа токарей и мастеров росписи характерна и для семинского и для семеновского хохломских производств. Сопоставление изделий Семина и Семенова показывает, что единство пластической формы изделий с росписью может быть достигнуто различными средствами. В этих двух родственных и единых по технологии художественных центрах сложились разные по стилистике виды хохломской росписи, не уступающие друг другу в орнаментальном богатстве, красочности и нарядности. И тот и другой промысел разрабатывают две основные системы построения хохломского орнамента - "верховое" письмо и письмо "под фон". Обе системы узора традиционны и связаны со всей историей развития Хохломы. Но более древним, по мнению искусствоведов и мастеров, является "верховое" письмо, т. е. нанесение орнамента поверх золотого фона, золотой поверхности изделия, получившейся в результате традиционной хохломской отделки дерева. Золотой фон, по которому наносится роспись, имеет свою декоративную ценность: он необычайно красив, светел, наряден, своим теплым золотистым мерцанием выделяет, подчеркивает токарную форму изделия. Особенно звучным и выразительным становится фон в сочетании с традиционным хохломским узором, выполненным черным и киноварно-красным цветами. Это триединство - золото с черным и красным - стало как бы знаком Хохломы. На созвучии этих трех цветов строят свои травные орнаменты многие семинские мастера. Большим мастером "верхового" письма стала в послевоенные годы Ольга Павловна Лушина - главный художник фабрики, наставник молодежи, добрый советчик всем мастерам промысла.

О. П. Лушина глубоко знает законы хохломского искусства и умело пишет все виды традиционного орнамента, но особенно она любит травные узоры, свободно, плавно ложащиеся на округлую поверхность токарных золоченых изделий. Семидесятые годы - самое благодатное время в творчестве художницы, то счастливое время, когда мастер по праву может сказать: "Я многое знаю об этом искусстве, многое могу сделать сам, не уронив его славы". Какую бы из вещей О. П. Лушиной мы ни взяли, будь то самая простая чаша или парадный торжественный набор, всегда поражает безукоризненное умение мастера найти меру украшения вещи, передать свободное дыхание орнамента, его органичную связь с формой. Вот плавно изогнулся на внутренней поверхности чаши тонкий стебель, образовав на дне ее почти замкнутый круг, но эта основа орнамента чуть сдвинута художницей вправо для того, чтобы свободно расположились вокруг стебля изогнутые побеги стойкими мелкими листьями, усиками и украшающими их ягодками. В композиции нет ощущения построенности, все живо, непосредственно, хотя отнюдь не случайно. На месте каждая травинка, каждый завиток орнамента, каждая точка-ягодка.

Еще полнее раскрывается мастерство О. П. Лушиной - мастера орнамента тогда, когда она расписывает наборы хохломских изделий. Здесь особенно важно ее умение почувствовать особенность каждой формы: ее пропорции, ее ритмический строй, найти место каждому элементу росписи. Среди произведений О. П. Лушиной есть набор из четырех предметов, ярко раскрывающий ее возможности в другом виде хохломской росписи - письме "под фон".

Художник, работающий над композицией "под фон", строит изображение на сочетании золотого орнамента с закрашенным фоном, обычно черным или красным. О. П. Лушина взяла для своего набора черный фон, оставив золотыми цветы и дополнив их черными и красными штрихами, красной травкой, умело расположив крупные цветы, ветки и бутоны на круглом блюде, маленькой чашечке, на поставце и сахарнице. Очень тактично использовано здесь и золотое покрытие внутренней поверхности изделий и узкие золотые пояски, как бы обрамляющие каждую орнаментальную композицию.

Ольга Павловна - ведущий мастер промысла, заслуженный художник РСФСР, лауреат премии имени И. Е. Репина. Но ее профессиональная гордость и в том, что она представитель творческого коллектива мастеров самого высокого класса. Рядом с О. П. Лушиной работает Е. В. Мосина - старейший и заслуженный мастер, прекрасный педагог, много сил отдавшая воспитанию молодых мастеров и преподаванию основ хохломского искусства в местной школе.

О. Н. Веселова, А. С. Карпова, А. Т. Бусова - это гордость промысла, не только создатели прекрасных произведений, но и хранители традиционного искусства многих поколений хохломских мастеров. Сознание своей принадлежности к коллективу, коллективному опыту и творчеству заставляет мастеров особенно внимательно относиться к молодежи, к ученикам. Несмотря на то что Семино расположено в сельской местности, где кадры в основном заняты в сельском хозяйстве, промысел активно пополняется молодежью. С 1973 г. в семинской средней школе на уроках труда преподают художественную роспись. Занятия ведутся по программе, которая позволяет школьникам после окончания школы прийти на фабрику мастерами росписи. Из выпускников семинской школы 1978-1980 гг. несколько девушек пришли на промысел, успешно работают, доказав свое умение уже при выполнении работ в учебной мастерской. Но учеба молодых мастеров не заканчивается в цехе, а только начинается. Старшие помогают им в выполнении плановых заданий, в создании новых рисунков, росписи и форм изделий. Наиболее одаренные молодые мастера со временем входят в творческую группу предприятия, исполняют более ответственную и сложную работу, участвуют в конкурсах, выставках в нашей стране и за рубежом.

Мы смогли убедиться в том, что семинская хохлома - очень своеобразное художественное производство, тесно связанное с художественными традициями данной местности, издавна славившейся мастерами токарного дела и росписи по дереву. Это старинное, но живо связанное с современной жизнью производство привлекает молодых творческим характером работы, новизной каждого производственного задания. На "Хохломском художнике" воспитана плеяда прекрасных мастеров, заслуженных художников РСФСР, лауреатов премии имени И. Е. Репина, премии Всесоюзного Ленинского комсомола.

Фабрика "Хохломской художник" - родина Хохломы, любимый и всеми почитаемый уголок русской земли, где зародилось и развилось неповторимое народное искусство. Но наше представление об этом виде народной росписи будет неполным, если мы не познакомимся поближе с другим признанным центром хохломской росписи - производственным художественным объединением "Хохломская роспись", отметившим в 1981 г. свой 50-летний юбилей. Более полувека существования предприятия были временем напряженной работы коллектива над ассортиментом изделий, над выработкой своего стиля росписи, над техническим совершенствованием отделки изделий.

Любому человеку, приезжающему в Семенов, могут показать светлые здания предприятия, его ассортиментный кабинет, прекрасный музей, где хранятся образцы семеновских хохломских изделий, собранные за все время существования промысла. Здесь, в залах музея, видно, как шаг за шагом вырабатывался стиль, который мы сегодня называем "семеновской хохломой". Определяющая черта этого стиля - сложная пышная цветочная орнаментика - письмо "под фон". Любимый стиль росписи семеновцев - "Кудрина" - изображение крупных фантастических золотых цветов в окружении черного или красного фона, тонкая графическая разделка крупных и мелких цветочных форм. Прекрасные примеры "Кудрины" - это подарочные расписные наборы Н. И. Ивановой, Н. В. Морозовой, Н. И. Сальниковой, Е. Н. Доспаловой и др. Если ветвь семинской травки поражает своим изяществом, тонкой каллиграфией штриха, особой деликатностью, с которой она ложится на украшаемую поверхность, то семеновская пышная, будто отлитая из драгоценного металла, золотая ветвь густо устилает поверхность изделия. Узор ложится на темный фон плотным золотым кружевом, заплетая поверхность сплошь. По не следует думать, что этот сплошной узор хаотичен, лишен конструктивности, одинаков для многих изделий. Рассматривая семеновские блюда, кувшины, поставцы и стопки, украшенные "Кудриной", видишь, что мастера прекрасно владеют письмом по самым сложным поверхностям, умело строят композицию, расчленяя объем с помощью изогнутой ветки, размещая крупные цветы и завитки на более выпуклых заметных местах блюда, чаши или вазы. Удивительное чувство меры ощущает зритель, рассматривая небольшие семеновские стопки, солонки, в которых художники прекрасно соотносят элементы пышного золотого узора с небольшим по размерам предметом.

Каждый из семеновских мастеров старшего поколения накопил большой опыт творческой работы, и именно это позволило построить деятельность всего объединения так, что главным стало коллективное творчество, сохранение уже накопленного мастерства, приумножение его новыми мастерами.

Работа на предприятии построена по традиционному хохломскому производственному циклу, в который всегда входили такие операции, как точение полуфабриката, подготовка его к росписи (грунтование и покрытие полудой), роспись, окончательная отделка лаком и закалка. В настоящее время в технологический цикл внесены изменения: вместо олова стали применять для лужения алюминиевый порошок, вместо олифы - синтетические лаки. Несомненно, что качество выполнения подготовительных операций, чистота отделки имеют огромное значение, но главное, что делает хохломские изделия неповторимыми, - это красота исполнения росписи, ее оригинальный рисунок, свобода и артистизм выполнения, целостный образ предмета. Все эти черты хохломской росписи формировались постепенно, в течение десятилетий и стали достоянием всего творческого коллектива. Высокий уровень мастерства коллектива позволяет так строить работу предприятия, что в творчестве, в создании новых форм изделий, новых композиций росписи участвует большинство его членов. Здесь имеется творческая лаборатория, объединяющая наиболее опытных мастеров и художников, большой экспериментальный цех, где работает более ста лучших мастеров, выполняющих самые сложные и ответственные заказы.

Много внимания уделяется в объединении работе с молодыми мастерами. Выпускники семеновской профтехшколы, приходящие в цехи предприятия, сразу попадают в атмосферу благожелательности и внимания со стороны более опытных мастеров. Среди художников по росписи много настоящих наставников, с радостью и ответственностью передающих свой опыт молодым. В процессе выполнения первых производственных заданий старшие всегда рядом с молодыми, советуют или подбадривают их в минуты неудач. Молодые мастера быстро включаются в творческий процесс, задумывают свои первые самостоятельные творческие композиции, участвуют в творческих конкурсах, в работе молодежных творческих групп. В начале 70-х годов среди молодых семеновских мастеров появились первые лауреаты премии Всесоюзного Ленинского комсомола.

Большую помощь в приобретении навыков оказывают молодым мастерам работники ассортиментного кабинета предприятия. Здесь собраны лучшие произведения, созданные в последние годы, и всегда можно получить консультацию опытного мастера - работника творческой лаборатории или экспериментальной группы. В ассортиментном кабинете имеются таблицы орнаментов старых и новых, зафиксированных самыми опытными художниками. Все это орнаментальное богатство принадлежит сегодня молодежи.

Активное творчество молодежи хохломских центров - залог долгой и прекрасной жизни одного из старейших художественных промыслов России.

Нет сомнения, что город Семенов сегодня - один из коренных и старейших центров хохломской росписи. Но есть в этом городе еще одно производство по художественной обработке дерева, продукция которого известна далеко за пределами нашей страны. Речь идет о Семеновском объединении по производству сувениров, где родилась знаменитая семеновская матрешка, известная и любимая во многих странах. В основе художественных изделий, выпускаемых этим предприятием, также лежит сочетание токарной основы изделия (будь это кукла-матрешка, сувенирный самовар, сувенирные шахматы, солонки и другая посуда) с росписью, отличающейся, однако, от росписи Хохломы по художественным принципам. И семеновская матрешка и другие изделия, выполненные на этом производстве, расписываются яркими анилиновыми красками по поверхности дерева, слегка загрунтованного крахмалом.

Необычайно искусны семеновские токари: их умелые руки создают знаменитые семеновские многоместные матрешки (в большую, высотой около полуметра, куклу вкладывается до 15-18 разноцветных матрешек). Каждая из матрешек украшена оригинальным узором, одета в нарядный костюм: расписной платочек, сарафан, фартук, в руках - пышный букет роз. Этот букет, написанный легко, свободно, как бы задает тон всей композиции, делает ее нарядной, красочной, веселой. С лукавым юмором написаны и лица матрешек, румяных, большеглазых, с аккуратно причесанными волосами.

Мастера объединения много работают над расширением ассортимента сувениров, и здесь свое слово сказали создатели новых форм - токари. Совместно с художниками по росписи они разработали затейливый по форме точеный сувенир - миниатюрный самовар с цветочной росписью, ставший как бы забавной деревянной скульптурой.

Очень интересны семеновские сувенирные шашки: здесь борются не просто черные и белые фигуры, а две команды разудалых мастеровых, вышедших на гуляние в ярких рубашках, в картузах с лакированными козырьками. Семеновские шашки стали предметом большого интереса и наших и зарубежных спортсменов и коллекционеров, о чем ясно говорят записи в книгах отзывов, призы, полученные на выставках.

Мы уже знаем, что на протяжении XIX-XX вв. сильно изменялись не только образная система росписи, круг ее тем, предметы, на которых ее располагали, но и сама техника росписи. Постепенно от растительных, природных минеральных красок мастера переходили к новым краскам, новым лакам. Мастерами росписи по дереву освоены яркие анилиновые красители, сгармонирована звучная цветовая гамма. Оказалось возможным применить к анилиновым красителям традиционный прием свободной кистевой росписи и найти иные, новые, приемы их использования.

В связи с этим хочется рассказать еще об одном промысле в Горьковской области. Речь пойдет о селах Полхов-Майдан и Крутец, расположенных в Вознесенском районе на границе с Рязанщиной. История этого промысла необычайно интересна. Токарное дело существовало в районе издавна. Первые десятилетия XX в. были ознаменованы началом росписи токарных изделий, так называемых "таратушек" (коробочек, пеналов, игрушек), сначала масляными красками, а затем анилиновыми. Особенно окреп и расширился промысел в 1960-1970 гг., когда токарным делом и росписью стали заниматься мастера целого большого района: и на фабрике "Красная заря" в селе Полхов-Майдан и в окрестных селах. Изделия полхов-майданских мастеров стали широко продаваться не только в магазинах, но и на колхозных базарах; они отличались такой яркостью, разнообразием форм, такой фантастической декоративностью, что привлекли к себе внимание и специалистов и широкого круга любителей народного искусства. Изделия полхов-майданских мастеров нашли свое место в музейных коллекциях, появились и значительные частные коллекции произведений этого искусства. И действительно, когда смотришь на расписные полхов-майданские матрешки, коробочки, грибки, вазочки, токарные солонки, декоративные тарелки, то диву даешься: откуда берется у мастеров такое обилие цветочных и пейзажных мотивов, такая цветность, такое разнообразие живописных приемов: от свободной кистевой росписи, похожей на семеновскую, до оригинальной манеры "цветы с наводкой", когда сначала тушью тонким пером наносится контур, а потом делается заливка отдельных форм цветом. Полхов-майданские мастера умело работают пером; различными тампонами и штампиками, создавая новый узор, построенный на "тычках". Одна из самых оригинальных черт полхов-майданской росписи - это широкое развитие в ней пейзажных мотивов, в народной росписи вообще довольно редких. Что бы ни писал мастер из Полхов-Майдана - пейзаж или цветы, птиц или своеобразные портреты людей, как это подчас бывает в матрешке, - все это и реально и фантастично одновременно. Закат будет ярко малиновым, цветок - грандиозным по размерам (нередко больше домика, расположенного рядом), яблоко - так румяно, что кажется сейчас брызнет соком, а матрешка - одновременно и сказочно прекрасна и совершенно современна, как сельская щеголиха в кудряшках е наведенными бровями и ротиком "сердечком". Приемы полхов-майданской росписи так разнообразны, ее образная система так богата, так современна, что работа предприятия не может не привлекать молодежь своим творческим, живым, современным характером.

Семино и Семенов, Полхов-Майдан и Крутец прославили Горьковскую область как край умелых мастеров росписи по дереву. Но есть один центр народного искусства в этой области, без которого невозможно себе представить современное народное искусство росписи, - это Городец.

Небольшой приволжский городок Городец стал в наши дни центром развития разнообразных народных ремесел: это и резьба, и инкрустация по дереву, и очень своеобразная вышивка. Но более всего знаменит Городец росписью деревянных изделий. О зарождении промысла, его развитии в XIX и начале XX в. мы говорили в начале этой книги. Сейчас же нам предстоит познакомиться с тем, как развивается этот промысел, как фабрика "Городецкая роспись" работает в наши дни. Городецкий промысел предреволюционного времени переживал серьезный упадок. Вместе с резким сокращением ручного ткачества, а значит и прядения, упал спрос на приспособления для прядения - гребни и донца к ним. А это значит, что отпала необходимость именно в тех изделиях, которые с самого зарождения определяли лицо промысла, были именно теми вещами, с которыми были связаны самые развитые сюжетные композиции городецких мастеров. Вслед за донцами почти ушли из обихода "мочесники" - лубяные коробки для хранения мотков ("мочек" льна), также бывшие изделиями, обычно богато расписываемыми городецкими мастерами. Ушли из крестьянской жизни старые вещи, ушли и канонические сложившиеся композиции росписи. Необходимо было найти новые виды изделий, на которых бы роспись жила так же целостно и органично, как на старых крестьянских вещах. Эти поиски были долгими и трудными. Первыми их начали те немногие старые мастера, которые еще оставались в деревнях городецкой округи в 20-х годах после гражданской войны и послевоенной разрухи. Это были: Ф. П. Краснояров, И. А. Мазин, И. К. Лебедев, П. А. Колесов и др. На родине промысла, в селе Курцеве, ими была устроена мастерская, где мастера начали работать над новыми вещами. К этому времени относятся множество панно и дощечек разной величины и формы, расписанных то сюжетными сценами, то цветочными мотивами. С первого взгляда на эти композиции становится ясно, что главным стремлением мастеров было как можно ближе подойти в своих работах к современности, прямо откликнуться на события окружающей жизни. Открытая передача жизненных впечатлений, злободневность была свойственна Городецкому искусству издавна, но в 20-е годы она стала особенно ощутимой. Мы видим в произведениях художников изображения пограничников и колхозной семьи, сельского праздника и поездки на мельницу. Мастера переживали трудный творческий перелом, так как от привычных композиций донец, где расположение сцен и отдельных персонажей было заранее спланировано, определено каноном, пришлось отказаться и строить роспись совершенно по-новому. Вертикальные изображения стали теперь горизонтальными, растянутыми в длину, что было связано с известными композиционными трудностями, которые мастерам предстояло преодолеть. Кроме того, в роспись вместе с новыми сюжетами вошли новые детали быта, одежды, архитектуры, новые костюмы, позы, иной стиль жестикуляции. Все это необходимо было увязать с канонами, старыми навыками и приемами росписи. Старые мастера и постепенно пополнявшая мастерскую в довоенные годы молодежь с помощью профессиональных художников, в числе которых был И. И. Овешков, постепенно преодолевали творческие трудности. Главная проблема заключалась в поиске нового ассортимента изделий, но решить ее в предвоенные годы не удалось, и это не позволило промыслу тогда занять должное место в новом советском народном искусстве.

Сложной и трагической была история промысла военного времени: умерли старые мастера, не вернулись с войны художники среднего поколения, и промысел бы окончательно заглох, если бы не было среди его мастеров такого энтузиаста городецкой росписи, каким были остается по сей день Аристарх Евстафьевич Коновалов. Выходец из семьи потомственных городецких мастеров, он вырос в атмосфере промысла и глубоко понимал всю неповторимость городецкой росписи, ее особое место во всей национальной культуре. В годы войны и послевоенной разрухи он сделал очень много для сохранения промысла. В конце 40-х годов в Курцеве А. Е. Коновалов организовал артель, куда привлек мастеров для создания расписных изделий. Он стал и первым учителем молодых мастеров. Позднее в послевоенные годы, в семеновской профтехшколе было открыто городецкое отделение. А. Е. Коновалов не только вел практические занятия с мастерами, но и составлял для них первые учебные пособия, где раскрывались основы городецкой росписи, ее декоративные принципы, ее образная система.

Строгим и требовательным воспитателем оставался для своих учеников А. Е. Коновалов и тогда, когда стал художественным руководителем созданной в Городце фабрики "Городецкая роспись", куда переместился в 60-е годы центр промысла. Ученики А. Е. Коновалова составляют в настоящее время ядро творческого коллектива фабрики.

Фабрика "Городецкая роспись" расположена на берегу Волги в новых корпусах, в просторных цехах много света, цветов.

Какие же изделия выпускает сегодня фабрика? Что расписывают городецкие мастера?

В послевоенные годы мастерам росписи вместе с другими специалистами фабрики удалось решить проблему ассортимента. Они пошли по пути изготовления необходимых в быту изделий: детской мебели, столиков и стульчиков, качалок, кроваток и шкафчиков, своеобразной игровой мебели, сочетающей в себе функции детской мебели и детской игрушки. Мастерами исполняется множество отдельных предметов и целых наборов для кухни, декоративных тарелок, панно и других вещей, уместных в сельском и городском доме. Необходимость этих вещей в быту несомненна и ежедневно подтверждается тем, что они никогда не залеживаются на прилавках магазинов. Этому немало способствует и роспись, придающая изделиям совершенно оригинальный характер. Нам уже известно, что городецкая роспись - это исторически сложившийся сплав цветочной росписи, изображений животных и птиц и сюжетных сцен из современной мастеру жизни. Для изображения цветов, зверей и птиц Городецкими художниками разработана богатейшая система живописных приемов. А. Е. Коновалов и его ученики начали восстановление утраченного с течением времени письма с основы основ его - изображения цветов и трав. Именно цветочной росписью украсили мастера детскую мебель, расписали сундучки-скамеечки для хранения игрушек, детские вешалки, табуреточки для самых маленьких. Стало очевидным, что на изделиях для детей цветочная роспись, а потом и городецкие кони, птицы, львы нашли свое истинное место. Роспись зазвучала свежо, и это было для художников важным стимулом ее дальнейшего развития. По-настоящему живой роспись делает все, что кажется красивым современному человеку.

Одной из самых значительных задач, вставших перед мастерами, было восстановление приемов написания кистью без предварительного рисунка человеческих фигур. Не менее важным было и расширение цветочных мотивов, бытовавших в течение нескольких десятилетий, но постепенно утраченных. Эта работа рассчитана не на один год, и в ее осуществлении принимает участие весь коллектив мастеров фабрики: члены экспериментальной лаборатории, творческой группы, мастера цехов, молодежь предприятия. В 1960-1970 гг. было многое сделано для творческого роста мастеров фабрики, для создания на предприятии учебного методического фонда (альбомов фотографий и зарисовок городецких изделий из различных музейных собраний страны), который помогал бы и опытным, и молодым мастерам изучать традиции промысла, возрождать забытые приемы. Важную роль в становлении коллектива сыграли творческие семинары. Их проводили в мастерами художники Московского научно-исследовательского института художественной промышленности - научного и методического центра, уже более полувека ведущего работу в области народного искусства. Художники института - знатоки народной росписи, A. В. Бабаева, З. А. Архипова учили мастеров работать в музейных фондах, изучать старые памятники, анализировать, а порой и реконструировать по небольшим сохранившимся фрагментам приемы письма городецких стариков, так необходимые сегодня молодежи Для самостоятельной творческой работы.

Местом кропотливой собирательской работы стали фонды и музейные залы горьковских, московских, ленинградских и городецкого музеев. Копии с наиболее интересных композиций, множество перерисованных деталей и фрагментов стали необходимым подспорьем для восстановления городецкой сюжетной росписи.

На республиканских, всесоюзных, зарубежных выставках и ярмарках год от года все более широко представляются современные городецкие изделия, которые пользуются широким спросом. Не ослабевает интерес специалистов к изучению этого искусства. Поэтому в новой пятилетке всему творческому коллективу предприятия и той молодежи, которая в него вольется, предстоит решать сложные и интересные задачи по дальнейшему совершенствованию цветочной росписи, развитию сюжетных композиций. Не менее важно постоянное приобщение всего коллектива мастеров к богатой и еще не до конца освоенной живописной культуре старой городецкой росписи.

В процессе развития народного искусства появлялись новые очаги росписи и видоизменялись старые, приобретая черты современной жизни, современных представлений о прекрасном.

Подмосковье было краем, где ярко расцветали народные ремесла, особенно промыслы художественной обработки дерева. В течение нескольких столетий одним из наиболее значительных художественных центров здесь был Сергиев Посад, окружавший знаменитый Троице-Сергиев монастырь.

В Сергиевом Посаде работало много ремесленников-игрушечников, резчиков, токарей по дереву. С Посадом были тесно связаны богородские резчики, которые из своего села привозили местным ремесленникам игрушки для раскраски. И в самом Посаде изготовляли разнообразные игрушки, именно сергиевские, отличные от всех других: упряжки, "братинки", расписные ложки, фигурки крестьянских девушек и пляшущих мужичков. В конце XIX в. в Сергиевом Посаде существовало множество небольших мастерских, производящих самые разнообразные мелкие изделия из дерева. Их поддерживали земские деятели. Мероприятия по "поднятию художественных ремесел" активно проводило на рубеже XIX и XX вв. Московское губернское земство. В 1891 г. оно открывает в Сергиевом Посаде учебно-производственные мастерские. С местными кустарями в них работают такие известные художники, как С. В. Малютин, А. М. Васнецов, В. М. Васнецов, В. И. Соколов. Художники предлагали мастерской проекты мебели, резных и расписных декоративных изделий, которые находили хороший сбыт в знаменитом московском Кустарном магазине в Леонтьевском переулке. Не менее важным рынком сбыта была и ярмарка у стен Троице-Сергиевой лавры, куда приносили и привозили свою продукцию местные троицкие и окрестные мастера. Стилистически искусство резьбы и росписи в этом районе было довольно пестрым. Здесь встречались несколько направлений: искусство крестьянских мастеров и искусство городских ремесленников, выделяемое в специальной литературе особо, как искусство городского посада. Близость такого большого художественного центра, как Москва, сказывалась и на сбыте изделий: ведь продавать в московском магазине можно было лишь то, что покупал московский покупатель. Ориентировать мастеров на вкус москвичей могли художники, приезжавшие из города в троице-сергиевские мастерские. Учитывая все эти историко-художественные обстоятельства, мы с полным основанием можем говорить о том, что стиль троице-сергиевской (ныне загорской) росписи сложился в своей основе на рубеже веков в результате совместных усилий местных кустарей и "ученых" художников, работавших с мастерами. Именно с учетом требований и местного и московского рынков сформировался ассортимент изделии (мелкие столярные и токарные вещи с резьбой, росписью и выжиганием), Именно здесь, в Сергиевом Посаде, была создана знаменитая теперь на весь мир русская матрешка. История ее такова. Известный русский художник Сергей Васильевич Малютин увидел однажды оригинальную японскую игрушку. В ней был использован любопытный игровой принцип: в одну точеную большую деревянную куклу вкладывались одна за другой куколки той же формы, но меньшего размера. Художник, бывший не только одним из самых блестящих живописцев своего времени, но и активно работавший в декоративном искусстве как керамист, мастер композиции изделий из дерева, металла, автор рисунков оригинальных вышивок, решил попробовать сделать национальную русскую куклу, использовав этот принцип. В 90-х годах XIX в. местный сергиевский токарь В. Звездочкин решил выполнить по эскизам С. В. Малютина первую такую куклу, получившую название "Матрешка". Она быстро завоевала популярность и среди детей, и среди взрослых, и вот уже почти в течение целого века живет и как игрушка, и как оригинальный памятный подарок-сувенир.

Время шло, и старый Сергиев Посад, вся жизнь которого сосредоточивалась раньше вокруг монастыря, превратился в современный культурный и промышленный центр Подмосковья. Нынешний Загорск хранит свои старые памятники - прекрасные архитектурные сооружения Троице-Сергиевой лавры, ряд других исторических и культурных реликвий. В наше время знамениты не только выставки и постоянные экспозиции Государственного загорского историко-художественного музея-заповедника, но и один из самых замечательных музеев Подмосковья - музей игрушки, работающий при Научно-исследовательском институте игрушки - своеобразном художественно-педагогическом центре. В Загорске находится и техникум игрушки, готовящий специалистов в области производства самых разнообразных игрушек. Как мы видим, художественными и техническими проблемами игрушки занимаются здесь весьма серьезно.

Несомненно, что в решении задачи разработки новых видов современных игрушек важная роль принадлежит сегодня Загорской фабрике игрушек № 1, наследующей и развивающей традиции прежнего загорского художественного производства как в области собственно игрушки, так и в области оригинальной загорской росписи с выжиганием. У этой фабрики много общего со всеми предприятиями, занимающимися художественной обработкой дерева, но есть и свои отличия. Художники фабрики вместе с мастерами стараются сохранить в сувенирах местную специфику. Например, только здесь изготовляют оригинальные сувениры - своеобразные модели архитектурных памятников города: знаменитые башни лавры, колокольни и др. Интересны орнаментальные решения загорских мастеров: они успешно сохраняют и развивают принципы старинного графического орнамента, заимствованного из русских рукописных книг. Этот орнамент украшает значительную группу токарных и столярных изделий, используется и как обрамление живописных композиций на шкатулках.

Сравнивая загорские пейзажные композиции 1950-1960-х годов с современными, можно заметить, что раньше композиции строились на локальных ярких цветах, напоминающих эмалевые вставки; контур элементов пейзажа и архитектуры, выполненный выжиганием, был плотным, порой резким. На фабричном конкурсе 1981 г. была показана целая серия шкатулок, ларцов и панно, на которых роспись и выжигание носили уже иной характер. По принципам художественного решения пейзажи 80-х годов приближаются к тонкой акварельной технике. Очень изящной, поистине виртуозной стала и техника выжигания, которая не только не противоречит новой манере живописи, но и придает ей особое обаяние своей мягко вводимой штриховой графикой. Не забыта и старая манера заливки цветом форм, нанесенных выжиганием. В этой манере трудится большая группа художников.

Все более популярной становится загорская матрешка. Этому немало способствует экспериментальная работа молодых мастеров и художников фабрики. За последнее время ими созданы новые по формам и росписи виды матрешек: есть серия матрешек-рукодельниц с вышивкой, вязаньем или кружевом в руках; серия матрешек, будто вышедших из старой сказки, с бабушкиной прялкой, расписным туеском, ковшом-утицей и др.

Загорская фабрика игрушек № 1 постоянно обновляет ассортимент деревянной скульптуры. Художники фабрики придумали токарную скульптуру "Богатырь", изображающую былинного русского витязя в шлеме, кольчуге, с копьем в руках и многие другие изделия о росписью и выжиганием.

Коллектив предприятия молод, здесь работают выпускники местных школ, прошедшие производственное обучение на фабрике, а также художники и мастера окончившие Абрамцевское художественно-промышленное училище. Ими сделано немало вещей, украшающих коллекции многих музеев нашей страны, побывавших за рубежом на международных выставках.

Мы рассказали о наиболее известных современных промыслах - Хохломе и Городце, Полхов-Майдане и Загорске, но рассказ наш не будет полным и верным, если мы не упомянем о тех центрах, которые возникли уже в наше время и сегодня интересно творчески развиваются.

Если в традиционных центрах народной росписи молодые кадры вливаются в уже сплоченный, слаженный коллектив опытных мастеров и растут как художники, заимствуя их опыт, в общении с мастерами постепенно постигая все богатство и разнообразие той или иной системы приемов, то в новых коллективах становление молодых происходит по-иному. Примером может служить башкирское художественное объединение "Агидель", деятельность которого началась во второй половине 70-х годов.

Башкирское народное декоративное искусство весьма разнообразно по видам и направлениям: это и ручное качество, и широко распространенная и любимая в народе вышивка, и ковроткачество, и художественная обработка металла. Мастера-башкиры умели делать прочный и красивый остов юрты, выстроить избу, делать для юрты и избы традиционную мебель, сундуки для домашних вещей и одежды, вырезать оригинальные, нигде больше не встречающиеся черпаки и ложки, выдолбить и украсить резным узором посуду (большие жбаны, тарелки, миски, чаши). Была у башкир и роспись по дереву, о чем свидетельствуют памятники старой материальной культуры Башкирии, хранящиеся в музеях Уфы, Ленинграда, Москвы. Роспись эта была весьма своеобразна и связана со всей орнаментальной культурой башкирского народа. Эти основные принципы легли в основу создания современных декоративных изделий в национальных традициях. Творческий коллектив "Агидели" вел свои поиски в различных направлениях: создавал новый ассортимент изделий, разрабатывал орнаментальные композиции, цветовую гамму, технологию. На всех этапах этой сложной работы ведущей и движущей силой была молодежь - недавние выпускники ПТУ и художественных школ г. Уфы. Свои первоначальные знания об особенностях башкирского традиционного искусства они получали от больших знатоков народной культуры - сотрудников Башкирского отделения Академии наук СССР, художников и искусствоведов, специалистов московского Научно-исследовательского института художественной промышленности. К этому прибавилась самостоятельная исследовательская работа: экспедиции по сбору материала в различных районах республики, работа в местных и центральных музеях. В поисках решения сложной задачи рос и творческий коллектив, выдвигались способные мастера, например Саттарова, Газизова, Журавлева, Тимофеева, Надирова. Молодые художницы наиболее тонко почувствовали своеобразие форм народной башкирской посуды, ее орнаментального строя, в котором есть элементы аппликации (как бы наложение узора на фон с прихотливым и весьма непростым сочетанием фона с узором).

С самого начала решено было изделия "Агидели" отделывать по хохломской технологии, прекрасно зарекомендовавшей себя как своей прочностью, так и декоративными качествами. Многих специалистов в области народного искусства смущало это обстоятельство. Вставал вопрос: правомерно ли это? И молодые художники "Агидели" доказали, что в современных условиях можно создать новое художественное производство, не повторяющее старый промысел, даже если взята столь оригинальная технология отделки, как хохломская. Сегодня можно уверенно говорить, что в Башкирии существует своеобразная национальная роспись по дереву, непохожая по орнаментальному характеру, колориту, растительным формам, вводимым в орнамент, на хохломскую. По золотому фону здесь пишут коричневые, зеленые и синие узоры, хотя нередко используют и сочетания черного с красным, цвета весьма распространенные в народном искусстве башкир. Но, может быть, именно это традиционное для Хохломы сочетание цветов более, чем другие, говорит об иных принципах орнамента, разрабатываемых коллективом башкирских художников.

Знакомство с производством башкирского художественного объединения "Агидель" производит большое впечатление: современные светлые цеха с удобными рабочими местами, нарядная производственная одежда девушек-мастеров росписи (пестрые фартучки и косынки), в цехах много и новых изделий и уже освоенных в производстве. Образцы лучших изделий хранятся в музее объединения, соседствуя с произведениями старых башкирских мастеров, привезенными художниками из экспедиций. Музей предприятия, так же как и другие городские музеи и выставки, - это школа для молодых художников, о творческом росте которых руководство предприятия заботится постоянно. Наиболее способные художники "Агидели" стали стипендиатами предприятия и учатся в Московском художественно-промышленном училище имени М. И. Калинина. Членам творческой группы мастеров предприятие предоставляет командировки для работы на выставках, в музеях других городов. Они уже побывали в Москве, Ленинграде, Ташкенте и других городах СССР.

Изделия из дерева с росписью, производимые объединением, пользуются большим спросом в республике и за ее пределами; сегодня они хорошо знакомы многим советским людям. А это значит, что на предприятии работает действительно творческий коллектив.

Одним из важнейших процессов развития современного народного искусства стало возрождение заглохших очагов народного творчества. Например, молодые художники Карелии восстановили приемы карельской росписи по дереву. Карелия издавна была краем своеобразной художественной культуры, со своим неповторимым фольклором, деревянной архитектурой, декоративным искусством, в котором дерево занимало основное место. Оно было одним из важнейших слагаемых народной материальной культуры коренного карельского и русского населения края. Несколько столетий развивалась в Карелии резьба и роспись по дереву, причем рядом существовали две школы росписи - русская и карельская, построенные на различной художественной основе. Роспись, выполненная русским населением Карелии, - это самостоятельный вариант бытовавшей на всем Русском Севере свободной кистевой росписи со своими колоритом и выразительностью мазка, с сочными цветочными мотивами - раскидистыми букетами фантастических цветов, среди которых встречаются невиданные на севере тюльпаны и розы. Что же касается собственно карельской росписи, то она во многом отличается от всех известных нам систем росписи. Для нее характерны теплые солнечные тона - оранжевый, желтый, коричневый. С помощью кисти на цветные фоны наносятся разноцветные розетки - звезды, радуги, волны, цветы. Роспись более всего применяется на предметах домашнего труда и утвари: прялках, коробах, мебели. И если сегодня мы достаточно хорошо представляем себе бытование этой росписи, ее центры, почерк ведущих мастеров, то в этом огромная заслуга первых исследователей народного искусства - ученых Москвы и Ленинграда и их верных помощников - молодых художников, членов творческого коллектива комбината "Карельский сувенир", принимавших участие в экспедициях по республике, активно осваивавших новые приемы росписи, разрабатывавших первоначальный ассортимент изделий с росписью и резьбой. Так же как и для молодых мастеров "Агидели", для карельских мастеров характерно активное освоение традиционного народного искусства не только в процессе сбора материала, экспедиционных поездок, но и в процессе собственных творческих опытов создания современных вещей, активно входящих в наш быт. На этом пути много трудностей, но общая тенденция развития промысла очень обнадеживает мастеров, так как вся работа делается серьезно, на научной основе, с желанием глубоко разобраться в законах народного декоративного искусства, возможностях и формах его современного бытования. Молодыми художниками и мастерами петрозаводского комбината "Карельский сувенир", работающими в столице Карелии и древнем Олонце, уже сделано много интересного по возрождению и развитию карельской росписи и еще очень много предстоит им сделать.

В процессе возрождения промыслов вырабатываются новые формы изучения их традиций. Художники не только участвуют в экспедициях, делают зарисовки во время творческих командировок, но и скрупулезно работают с памятниками народного искусства, хранящимися в музеях, осваивают опыт минувших поколений мастеров во всей его полноте.

Интересное начинание предпринято в старинном центре народного искусства - Вологде. В музеях города имеются несметные сокровища древнерусского искусства, первоклассные работы художников XVIII и XIX вв. Гордостью города являются коллекции народного северного костюма, вышивок, кружева. Большое место среди экспонатов занимают предметы, выполненные из дерева. Территория Вологодской области довольно велика; здесь могло бы поместиться не одно европейское государство. И естественно, что на этой земле развивались разные местные художества, процветали различные школы росписи. Своеобразная маховая роспись Уфтюги соседствовала с изящной, графичной, близкой к цветочным орнаментам XVIII в. грязевецкой росписью и т.д. По-настоящему изучить роспись Вологодчины можно, лишь занимаясь ею не от случая к случаю, а постоянно и углубленно. Именно по этому пути и пошло руководство нового Вологодского художественного экспериментального предприятия, организовав на базе и при самом живом участии Вологодского краеведческого и Вологодского художественного музеев народную студию изобразительного искусства. В студии проводятся лекции и беседы о народном искусстве края, анализируются памятники народного искусства, художникам предоставляется не только возможность подробного знакомства с фондами и экспозициями музеев, но и тщательной и многообразной работы с памятниками: изучения их художественных и конструктивных особенностей, копирования. Студия уже успела стать новым своеобразным культурным центром города и области; ее авторитет и популярность постоянно растут среди молодых художников и мастеров народного искусства.

Таковы современные условия развития искусства росписи по дереву в традиционных центрах на территории РСФСР.